"Мастер и Маргарита"

Фото с сайта mxat.ru

Премьера этого спектакля в МХТ им. А.П. Чехова состоялась 29 июня 2011 года, но до сих пор каждый показ – это событие в театральной жизни столицы.  Когда мы покупали билеты, выбор их был совсем невелик, но по-настоящему прочувствовать популярность этого спектакля мы смогли, уже придя в театр. Занято было все, даже проходы, там лежали подушки, на которых разместились студенты, кому-то приносили стулья, продолжая таким образом ряды. После антракта, если кто и ушел, мне в глаза это не бросилось, но зато я видела, как происходящее на сцене заставляет людей замирать и взрываться аплодисментами в следующее мгновение. Три часа спектакля пролетают почти незаметно.

"Пролетая над гнездом кукушки (Затмение)"

С трудом мы достали билеты на этот спектакль, буквально, последние два купили. В театре были заняты абсолютно все места, даже откидные. Не могу утверждать, что так всегда, но судя по разговорам билетеров, «Пролетая над гнездом кукушки» непременно собирает полный зал каждый раз.  

Премьера спектакля состоялась ровно 8 лет назад, 27 декабря 2005 года. Постановка является, как это определяют авторы, фантазией по мотивам романа Кена Кизи «Над кукушкиным гнездом».

Фото с сайта www.lenkom.ru

В спектакле занята целая россыпь звезд Ленкома. Даже трудно определить, на какой состав хотелось бы попасть. Так получилось, что я смотрела эту постановку с Александром Лазаревым в качестве исполнителя главной роли. 

"Безумный день, или Женитьба Фигаро"

     

Фото с сайта sergeybezrukov.ru

     Комедия «Безумный день, или Женитьба Фигаро» впервые была поставлена аж в 1748 году на сцене театра французской комедии «Комеди Франсез». Как известно, Пьер Бомарше написал целую трилогию («Сивильский цирюльник», «Безумный день…» и «Преступная мать»), где именно «Женитьба Фигаро» - самая хлесткая и злободневная. Не случайно ещё при авторском чтении пьесы в Версале король Людовик XVI выразил свое недовольство и запретил постановку. А весь Париж уже цитировал остроты Фигаро, его резкие выпады в адрес власти.

    С виду сюжет довольно прост. Всё в рамках классицизма: единство места, времени и действия. Все события происходят в течение одного дня в усадьбе графа и закручиваются вокруг Фигаро. Перед нами  столкновение бывшего цирюльника со своим другом-хозяином графом Альмавивой. Борясь за счастливый брак с Сюзанной (горничной жены графа Розины), Фигаро демонстрирует недюжинные находчивость и смелость. В финале ему удается не только победить в борьбе за невесту, но и помирить графа и графиню, да ещё и найти настоящих родителей! Слуга оказался благороднее господина, считавшего, что ему всё позволено просто из-за высокого положения!

   Но как бы ни  был остер политический пафос, для нас, зрителей, это всё-таки комедия-водевиль со словами «Фигаро здесь, Фигаро там!» и интересной любовной коллизией. Этому представлению соответствует известнейшая постановка Валентина Плучека в Театре Сатиры с гениальными Андреем Мироновым (Фигаро)  и Александром Ширвиндтом (Альмавива) в главных ролях. Телеверсию этого спектакля выпустили в 1974 году и показывают до сих пор, что не может не радовать, так как мы, кто не успел увидеть это воочию, можем хоть и в записи, но насладиться прекрасной классической игрой великих актеров.

   В наши же дни, в 2006 году к этой пьесе обратился эксцентричный Кирилл Серебренников, поставив «Фигаро. События одного дня» в качестве первого проекта Театральной компании Евгения Миронова (сейчас включен в репертуар Театра наций). Это получилась новая версия с переводом самого режиссера и песнями Сержа Генсбура. В роли Фигаро - прекрасный Евгений Миронов, Сюзанна - Юлия Пересильд, а Марселина- Лия Ахеджакова. Отзывы критиков были, мягко говоря, не очень положительными (статьи назывались «Полукислый Бомарше», «А фиг Вам Фигаро!», «Типо Фигаро» и т.д). Я смотрела спектакль и тоже нашла много лишнего в желании сделать постановку актуальной и современной: Керубино не хочет идти служить в современную армию, судья Бэзил-трансвестит, слова «блин», «типо», «брателло», «кайфуем» постоянно звучат со сцены... И как-то теряется обаяние самой комедии за всем этим сленгом, раздеваниями, пошловатыми шутками. Всё-таки произведение-то эпохи Просвещения! Но об этом спектакле говорить особо не хочется, так как играет там один из моих любимых актеров (Евгений Миронов) и играет всё равно замечательно! Сложно критиковать.

      

Фото с сайта sergeybezrukov.ru

И вот в мае 2009 года в рамках фестиваля «Черешневый лес» Театр под руководством Олега Табакова тоже показал нам  «Безумный день, или Женитьбу Фигаро» в постановке Константина Богомолова. В главных ролях звезды: Сергей Безруков (Фигаро), Олег Табаков (граф), Марина Зудина (графиня), Ирина Пегова (Сюзанна). И вот этот «Фигаро»- уже не водевиль, не фарс и не любовная комедия.

    Здесь режиссер сильно драматизировал сюжет, что особенно ярко видно на образе главного героя. Сергей Безруков играет серьезного человека, за плечами которого непростая жизнь в бедности и сиротстве. Он в 30 лет уже «давно усталый раб» и чем-то напоминает нам Гамлета. Герой способен на глубокие переживания, на серьезные монологи, а не только на уловки и хитрости веселого слуги (и именно в доказательство этого монологи Фигаро не стали вообще сокращать). Здесь реактивен Фигаро не в беготне, а в быстроте соображения, находчивости и умении рассуждать здраво. Он кем только не работал, сидел в тюрьме, жил среди разбойников и даже хотел покончить жизнь самоубийством.

Фото с сайта sergeybezrukov.ru

    И понятно, что Фигаро был несказанно рад наконец-то обрести друга в лице графа Альмавивы (они часто сидят на ступеньках дворца, пьют вино и беседуют о жизни). И сразу же видна ещё одна трагедия. Получается, что предал  не просто господин слугу, а именно друг своего друга!

   Фигаро на наших глазах за один безумный день чуть не лишился возлюбленной, дружбы и расположения графа и графини, спас жизнь пажа Керубино, нашел родителей и узнал свое истинное происхождение! Это очень напряженная история, а не просто легкий, как «бутылка шампанского», водевиль, как бы доказывает нам режиссер. И с этим трудно не согласиться, особенно, видя настоящие слезы в глазах актера Сергея Безрукова в ряде трагических монологов!

  

Фото с сайта sergeybezrukov.ru

      С точки зрения внешнего оформления спектакль очень приятно смотреть. Реквизит, костюмы, декорации подлинные. Вся атмосфера на сцене как бы отсылает нас к традиционному классическому театру, где сохранено то время, которое и описывал автор пьесы. А это сейчас такая редкость! Модно переносить действие в наши дни, оставлять современную одежду на героях. Но это далеко не всегда к лучшему меняет постановку. Настоящие произведения сами по себе всегда актуальны за счет поднятых тем, а не только за счет обстановки.

    Из-за громоздких и сложных декораций спектакль не идет на маленькой сцене самой «Табакерки», а, как правило, его показывают на сцене МХТ им. Чехова. Здесь мы видим большой дворец графа Альмавива со старинной мебелью, красивыми коврами, лепниной и цветами. От дворца вниз идет высокая лестница, на которой и происходит множество важных сцен и объяснений героев (только Олегу Табакову иногда очень тяжело на неё взбираться, но этого можно и не замечать). Во дворе пруд с настоящей водой, где плавают лебеди, и дорожка из реальных камней.

    Я прочитала, что Сергей Безруков для роли Фигаро даже брал специальные уроки парикмахерского мастерства, чтобы его цирюльник выглядел правдоподобнее (учился брить опасной бритвой того времени, отхватывать пряди волос как можно короче, чтоб под париком не заводились вши).

     Иногда, правда, монологи героя слишком затягиваются, как и монологи графа. Это создает некоторую напряженность и усложняет восприятие. Герой чаще плачет, а не смеется, но Богомолов как раз хотел сместить привычные акценты (сцена попытки самоубийства с веревкой и камнем на шее, например). Фигаро хочет семью, тихую жизнь без суеты и авантюр. А граф, наоборот, устал от этой тихой семейной жизни. И вспомнил про право первой ночи. А тут еще большой долг, который никак не может отдать Фигаро Марселине… Как тут не огорчаться? Но возлюбленная и графиня идут навстречу и решают вместе проучить графа. В результате конец счастливый, но достигнутый через  возрождение у героя чувства собственного достоинства и противостояние графскому самолюбию…

Оля-ля.

  

"Горбунов и Горчаков"

Фото с сайта sovremennik.ru

О посещении этого спектакля впервые я задумалась в год премьеры (2011). Меня очень заинтересовал сюжет, я даже не обратила особого внимания на актеров, занятых в постановке. Но по каким-то причинам посещение «Современника» откладывалось, периодически я вспоминала про спектакль, и постепенно интерес к игре Никиты Ефремова и Артура Смольянинова уравновесил интерес к самой теме. Когда совсем недавно я все-таки попала на «Горбунова и Горчакова», то даже не могу сказать, чего я ждала больше – увидеть, как именно этот сюжет воплощен на сцене, или увидеть, как его воплощают именно эти актеры.

Спектакль является постановкой одноименной поэмы Иосифа Бродского. Текст не самый простой, лично для меня. Вся поэма написана от первого лица. Действие разворачивается в психиатрической больнице. Сюжет оставляет поле для возможных интерпретаций. Я отношусь к тем, кто считает, что мы видим драму одного человека с раздвоением личности.

Фото с сайта sovremennik.ru

Спектакль идет на Другой сцене «Современника», поэтому, на каком бы ряду ни располагались ваши места, все равно создается полный эффект присутствия. Отлично видна богатая и живая мимика актеров. Впечатление причастности к происходящему на сцене достигается также благодаря декорациям. Мы как будто пребываем в одной больничной палате с героями, а не видим ее со стороны. В целом, декорации, звуковое и световое сопровождение спектакля очень продуманны, и для меня как зрителя выглядели органично, помогая создать атмосферу, в которой разворачивается сюжет.

Фото с сайта sovremennik.ru

Игра актеров в этом спектакле меня действительно поразила: никогда я не видела, чтобы люди так читали стихотворный текст. Никаких наигранных гипертрофированных эмоций. В какой-то момент вообще мозг отключается от того, что герои говорят словами поэмы. Магическим образом текст Иосифа Бродского, который я не могла долго прочесть сама, оказался для меня настолько близким и понятным, но самое главное – прочувствованным. Думаю, что тандем Никиты и Артура оказался настоящим открытием для многих, для меня – точно. Они научились так сосуществовать в поле этого сюжета, что буквально ловят дыхание друг друга, один начинает фразу, а другой подхватывает на лету. То же самое и с эмоциями: как будто Горбунов (Ефремов) только собрался почувствовать что-то, а на лице Горчакова (Смольянинова) это уже отразилось.

Постановка идет 1 час 45 минут без антракта. Спектакль не самый длинный, но он или держит в напряжении, или заставляет скучать. Ни то, ни другое долго терпеть невозможно. Я отношусь к первой категории: меня сюжет захватил, я потом еще долго думала над увиденным. Не буду пересказывать содержание, только один вывод, который я сделала именно благодаря спектаклю (оригинальный текст поэмы, я каюсь, сама так и не осилила): норма для общества – это цинизм и материализм, ранимых мечтателей и романтиков ждут в дурдоме с постоянной пропиской, и только убив в себе человека, нетривиально воспринимающего окружающий мир, можно снова претендовать на гордое звание полноценного члена социума. После спектакля стало немного грустно, но мне понравилось: было, чему сопереживать, есть, о чем подумать.

Фото с сайта sovremennik.ru

Однако были и те, кто скучал, кто понял спектакль совсем по-другому, для кого он закончился ничем… По моему мнению, это тоже плюс в копилку постановки. Я с настороженностью отношусь к тому, от чего абсолютно все остаются в восторге: можно пройтись по верхам, угодив каждому, но, в итоге, не сказать ничего, а можно углубиться в одну тему, но она точно не будет интересна абсолютно всем. Это, конечно, только мое мнение.

Всем интересных спектаклей, фильмов и книг,

Вера. 

"Хулиган. Исповедь"

Фото с сайта sergeybezrukov.ru. "Хулиган. Исповедь"

     

   Я думаю, многим известно, что Сергей Безруков не раз обращался в своих работах к жизни и творчеству Сергея Александровича Есенина.

Фото с сайта sergeybezrukov.ru.
"Жизнь моя, иль ты приснилась мне"

    Впервые на моей памяти он воплотил этот образ на сцене Театра Ермоловой в потрясающей постановке «Жизнь моя, иль ты приснилась мне?» по пьесе Нонны Голиковой. Этот спектакль с успехом шёл с 1995 по 2002 год и принес в 1997 году Сергею Безрукову Государственную премию РФ, премию Мэрии Москвы и премию «Кумир» за воплощение образа Есенина на сцене. Я, к сожалению, впервые увидела этот шедевр лишь в 2002 году, то есть буквально «под занавес». Но до сих пор помню, как меня увлёк сюжет, основанный на отношениях Сергея Есенина, Айседоры Дункан и Галины Бениславской. Там мы могли проследить начало, апогей и «умирание» чувств двух великих личностей, а также увидеть, насколько преданно, по-настоящему, хоть и совершенно безответно любила поэта Галина.

    Кстати, не скажу, что до этого я совсем не знала Сергея Александровича Есенина. Его творчество давно было мне интересно. Но близким и родным я смогла почувствовать поэта именно благодаря этому спектаклю, на который успела сходить несколько раз. Я стала много читать о судьбе Есенина, писала в школе работы о его жизни и творчестве. Потом с  удовольствием сходила в прекрасный Московский Государственный Музей С.А. Есенина в Большом Строченовском переулке дом 24 (единственный официальный адрес поэта в Москве!) и даже съездила с мамой и братом в Государственный музей-заповедник С.А. Есенина в Константинове (историческая родина поэта).

       И очень помогло мне всё вышеперечисленное на вступительных экзаменах в институт (поступала на филфак в Педагогический университет). Пришла я, помню, на вступительное сочинение. На доске написаны темы. Читаю их и никак не могу  выбрать себе подходящую, хотя взгляд и останавливается на «Теме Родины в лирике  С.А. Есенина». Но думаю, что не потяну, так как надо по памяти цитировать строчки стихотворений, да ещё и стараться соблюсти авторскую пунктуацию! Время идет. И я всё-таки решаю писать что-то там по роману Тургенева «Отцы и дети». Пишу, но понимаю, что как-то вяло идет и прям чувствую, что самой не нравится то сочинение, которое получается. И вот буквально за час до окончания экзаменационного времени я вдруг решаюсь кардинально поменять тему! И всё. Пишу «Тема Родины в лирике Есенина», причем сама получаю от процесса удовольствие! Идет легко, строчки вспоминаются сами собой. За час написала даже больше, чем нужно было по объему, так как не могла остановиться. В итоге получила «5» за содержание и «4» за грамматику, ну и поступила-таки в университет!

Фото с сайта sergeybezrukov.ru. "Есенин. История убийства"

       Потом, в 2005 году, на экраны вышел нашумевший 11-серийный сериал «Есенин. История убийства» по одноименному роману Виталия Безрукова (отца Сергея Безрукова). О нем было много споров. Кто-то говорил, что поэт здесь показан только скандалистом и пьяницей, кто-то говорил, что слишком откровенно рассказано о его женщинах, а кто-то просто был  в корне не согласен с версией убийства Сергея Есенина, настаивая на том, что в 1925 году гостинице «Англетер» было совершено самоубийство. Мне лично этот проект понравился. Он показал поэта разным: от ранимого молодого юноши до скандального столичного ловеласа, который в глубине душе все равно остался ранимым и чутким человеком, любящим родную землю и не мыслящим себя в отрыве от неё. Интересно сочетаются там события 1920-ых годов и 1985 года, когда полковник Хлыстов (в исполнении Александра Михайлова) решает расследовать «дело Есенина» и поднимает бумаги, с помощью которых судьба великого поэта оживает. И вспоминается строчка: «Лицом к лицу лица не увидать. Большое видится на расстояньи» («Письмо к женщине»).

        В 2008 году Сергей Безруков выпустил музыкальный диск с названием «Хулиган. Исповедь». Там собрана лирика Есенина разных лет, причем звучит она не только в виде поэзии, но и в песенной форме (музыку ко всем стихотворениям написал сам Сергей Безруков, кстати!).

      И вот на основе этого диска в апреле 2009 года Театр Сергея Безрукова выпустил спектакль «Хулиган. Исповедь». Я  впервые посмотрела его в декабре 2009 в Театре Киноактера. Потом пересматривала несколько раз, крайний из которых (надеюсь, не последний) был, кстати, летом этого года в Театре Маяковского.

      Описать эту постановку сложно. Тут важны именно ощущения от присутствия в зале. Здесь нет действия в привычном для нас понимании, нет действующих лиц, нет как таковых декораций. На сцене большой экран. Выходит Сергей Безруков с есененскими кудрями и в костюме, подходит к микрофону. И тут начинается магия…

Фото с сайта sergeybezrukov.ru. "Хулиган. Исповедь"

      Удивительно, но это не поэтический вечер, а именно музыкально-поэтический спектакль. Inter Folk band и несколько бэк-вокалистов, а в танцевальных сценах прекрасно работают солисты балета под руководством Антона Крамера.

Потрясающе, что с помощью чередующихся песен, стихотворений и танцевальных номеров можно передать целую судьбу великого русского поэта Сергея Есенина! От ранней лирики о природе родного края  за два с небольшим часа мы плавно передвигаемся к лирике зрелой, в которой уже чувствуется надлом в душе поэта, трагическое осознание действительности и невозможность что-либо исправить или вернуть. Сам Сергей Безруков выступает тут и в роли Есенина, и в роли самого себя, исполняющего для нас произведения любимого поэта. Помогают ему в этом ансамбль Inter Folk band и несколько бэк-вокалистов, а в танцевальных сценах прекрасно работают солисты балета под руководством Антона Крамера.

      На экране нам чаще всего видно самого актера, причем  крупным планом. Но Сергей не боится этого! С одной стороны, хорошо, что все зрители, даже с последних рядов (а на этом спектакле всегда аншлаги), смогут разглядеть того, ради кого пришли в театр. Но, с другой-то стороны, как же это сложно, быть в таком близком контакте с залом! Экран не позволяет ни одной фальшивой эмоции, никакого «недоигрывания» или «переигрывания»! Всё на виду! И ни разу Сергей Безруков не обманул нас! Всегда выкладывается на 100%! Читает и поет с такой искренностью, что просто невозможно не проникнуться атмосферой этого спектакля. Если слезы в глазах, то они настоящие, если улыбка, то подлинная, если смех, то от всей души, если танцы, то по-русски залихватские, если любовь к женщине, то отчаянная, безоглядная, если жизнь, то на разрыв аорты!

      Так ведь и жил сам Сергей Есенин! Он называл себя хулиганом, который «от стихов дурак и пьян». Но Безрукову важно было показать нам, что это лишь одна сторона медали, и этой характеристикой не исчерпывается личность поэта. Он разный. И это можно понять, просто читая его произведения разных лет. Меняются с годами отношения к религии, к любви, становятся глубже и объемнее образы, проникновеннее и тоньше делается сама лирика. Неизменной остается бесконечная любовь к животным и к Родине, которая с годами приобретает трагический окрас, переплетаясь с  темой власти и неминуемого прогресса. Всё это нашло своё отражение в постановке. И правда, «сие есть самая великая исповедь, которой исповедуется Хулиган», где нет  выдуманных диалогов, нет непроверенных фактов, нет «авторского видения» материала, а лишь бессмертные строчки самого поэта, лучше всего другого раскрывающие нам душу Сергея Есенина.

Диск "Хулиган. Исповедь". Фото автора

      То, что лирика поэта очень музыкальна, не секрет. Многие исполнители сочиняли романсы

на его стихи (Малинин, Сличенко, группа «Реликт»), пели его как шансон (Любавин, Стас Михайлов) и даже как смесь рока с попсой (Монгол Шуудан «Да, теперь решено без возврата…»). Но Сергей Безруков не взял в спектакль ни одного готового музыкального варианта! Он сам выступил композитором для всех звучащих там мелодий, и все они просто по-новому зазвучали для меня! Я безумно рада, что после того первого спектакля «Хулиган. Исповедь» в Театре Киноактера продавали музыкальные диски с одноименным названием. Конечно, мы с мамой не могли не купить его! И теперь периодически включаем дома драгоценные записи, слушаем любимые стихи и песни в исполнении любимого актера, получая каждый раз несказанное удовольствие.

      И ещё хочется сказать несколько слов о финале спектакля. Трагическая гибель поэта показана интересным способом, а именно с помощью хореографической миниатюры в  исполнении солиста балета. Сначала он стоит перед нами в русской рубахе с гармонью в руках, потом вдруг всё вокруг темнеет, на него набрасываются «нквдэшные» силы, стягивающие руки и шею поэта красными лентами. Он пытается выбраться, но петля затягивается всё сильнее и сильнее, а силы покидают… И вот на экране уже голубое  небо, в которое и улетает от нас душа Сергея Есенина, покинув бренное тело…Всё это под трагическое сочетание стихов и музыки.

     Непередаваемые ощущения и неподдельные слёзы встают в глазах зрителей в этот миг, равнодушных я ещё не видела. И это прекрасно, что есть такие постановки, которые могут «расшевелить» наши современные сердца, затронуть души. Хоть и говорят про наступивший век цинизма, черствости и безразличия, но оказывается, как писал сам поэт: «Я всё такой же, Сердцем я всё такой же». Просто сейчас мы привыкли прятать свои чувства, загонять их глубоко-глубоко внутрь себя. Не модно быть добрым, чутким, стыдно показать свою ранимость и душевность. А всё это есть в нас, оно никуда не делось! И вот такие спектакли вдруг дают этим качествам вырваться на свободу, не стесняясь и не страшась мнения окружающих! Эти светлые чувства объединяют зал, который сливается  в едином  порыве. И это единение чувствуется в громких и несмолкающих овациях, в оглушительных криках «Браво!» и «Бис!», в нежелании публики уходить из зала, будто бы боясь разрушить ту самую магию, которая возникла в начале вечера.

Фото с сайта sergeybezrukov.ru

     В общем, как всегда скажу, что это надо видеть и слышать вживую!

  

     P.S. Только просьба к тем, кто пойдет. Пожалуйста, отключайте свои мобильные! Обязательно!!! В этом спектакле это просто неприемлемо, чтоб слышались звонки телефонов! Отдохните от техники, расслабьтесь, проникнитесь атмосферой! А иначе посторонние звуки просто разрушают её! И это дико бесит! Несколько раз была свидетелем подобных инцидентов!

Оля-ля. 

"Пушкин"

Сергей Безруков в роли Александра Пушкина. Фото автора

     Сегодня я решила разбить стереотипы и написать не про Театр Виктюка, не про Дмитрия Бозина, не про Данилу Козловского. А про кого же? Про того актера, который и привил мне любовь к театру в далеком 2002 году, когда я впервые увидела спектакль «Жизнь моя, иль ты приснилась мне?» на сцене Театра Ермоловой.  Об этом озарении я уже писала в разделе о себе. Да, это Сергей Безруков.

    За его творчеством я слежу давно и пристально. Смотрела все спектакли с его участием, которые успела застать с 2002 года («Старый квартал», «Псих», «Признание авантюриста Феликса Круля», «Священный огонь», «Амадей», «Искушение», «Ведьма», «На всякого мудреца довольно простоты», «Сирано де Бержерак», «Похождение», «Женитьба Фигаро»), изучила его фильмографию.  Многие из перечисленных  постановок уже канули в Лету, но я их помню и люблю. Помню, как я фанатела от спектаклей «Псих» и «Феликс Круль» (режиссер Андрей Житинкин), смотрела их много раз в знаменитой Табакерке. Недавно, кстати, Олег Павлович Табаков возродил «Феликса Круля» с новым молодым актером в главной роли. Но я не смогу это воспринять, как и мой младший брат, очень любивший эту вещь. Безумно нравился мне «Амадей», который шёл во МХТ им.Чехова. Там Безруков играл Моцарта, а Табаков - Сальери. Прекрасный был дуэт!!! «Ведьму» нынче переименовали в «Страсти по Емельяну» и относят к Театру Сергея Безрукова. Тоже сильная, серьёзная и душевная постановка, где Безруков сам поет  несколько псалмов, играя дьякона в сельской церквушке.

    Но про все спектакли не уместить в одном отзыве. Поэтому сегодня решила написать о спектакле «Пушкин». Он поставлен Сергеем Безруковым как режиссером по одноименной пьесе его отца Виталия Сергеевича (разумеется, поэта блестяще играет сам Сергей). Когда-то давно я несколько раз смотрела постановку на сцене Театра Ермоловой (шла с 2002 по 2010). Тогда название было «Александр Пушкин», но в целом содержание было почти таким же. Потом на год спектакль исчез с афиш, но Сергей Безруков обещал, что обязательно возродит его. И вот премьера обновленной версии прошла 1 июня 2011 года. Разумеется, я не смогла пропустить это событие.

Фото: Лена Глайзерман

    Постановка  позволяет нам проследить судьбу великого поэта, начиная от ссылки в Михайловском (1825 год) и до дня трагической дуэли с Дантесом на Черной речке (1837год).

    «Хочется, чтобы зритель на нашем спектакле еще раз пережил смерть Пушкина, ощутил утрату.  Когда переживаешь утрату человека со слезами на глазах — приближаешь его к себе. И Пушкин становится не запыленным томиком стихов, не «двойкой» по школьному сочинению, не памятником, а живым и близким человеком, за которого переживаешь»,- говорит Сергей Безруков, объясняя, почему снова решил «оживить» для нас образ поэта.

     И что же Вы думаете? Конечно, ему это удалось! И пусть многие иронизируют, что Безруков только и играет великих людей (Пушкин, Есенин, Высоцкий), дошел уже до образа Бога (Иешуа в «Мастере и Маргарите»), да ещё постоянно воспевает русские берёзы, я скажу, что всё это он делает с огромной самоотдачей, искренне и самобытно. Мне приятно смотреть его игру на сцене (раз сейчас говорю о театре, то кино затрагивать не буду, там однозначно сказать свое мнение про все роли сложно), я всегда верю и сопереживаю его героям.

    

Фото: Лена Глайзерман

Итак, вернемся к «Пушкину». Чем же новый вариант спектакля отличается от увиденного мною ранее?  Сменились декорации. Но это не самое главное. А прежде всего отличие в том, что Сергей специально добавил в обновленную постановку киноэпизоды, отснятые именно для этой цели. На сцене установлен большой экран, на котором и начинается развитие действия. Первая сцена  показывает нам приезд друга-лицеиста Пущина к ссыльному поэту в Михайловское. Настоящая русская зима, ночь, поэт в длинной ночной рубашке с фонарем в руках спешит навстречу другу! И сразу же ощущение, что ты попал  в кино. Снято всё ярко и живо, а потом так же непринужденно герои будто бы прямо с экрана сходят на сцену и продолжают играть перед нами уже вживую. И тут мы видим на сцене всем известный образ няни поэта, знаменитой Арины Родионовны. Но она здесь не просто «бабушка божий одуванчик», а настоящая хулиганка, поющая матерные частушки и выпивающая вместе с воспитанником и его другом «на брудершафт». Очень забавная сцена с песнями под гитару, с душевными беседами и даже с обсуждением политической ситуации (канун знаменитого восстания декабристов) и чтением запрещенной тогда комедии Грибоедова «Горе от ума». Живое и не затянутое начало - это уже залог хорошего спектакля для меня.

     Позже снова идет «внимание на экран», где нам показывают такой важнейший в жизни Пушкина момент, как венчание с Натали Гончаровой. Снято всё очень достоверно, снова ощущение, что мы проникли в храм и присутствуем на этом знаменательном событии лично, стоим в полумраке и чувствуем запах ладана и треск свечного пламени.

    И самым ярко отснятым эпизодом я бы назвала  сцену дуэли поэта с кавалергардом Дантесом. Снова зимний пейзаж, речка и  этот роковой выстрел в Александра Пушкина. Сколько страдания и боли видим мы на лице поэта, каким несправедливым кажется такой ужасный финал! И этим как раз цель-то и достигнута! Зрители воспринимают гибель поэта не просто как всем известный факт его биографии, а как нечто роковое и трагическое. За почти 4 часа спектакля мы так сроднились с Александром Сергеевичем, что не хотим верить в неизбежность развязки. Только что Он признавался в любви своей супруге, играл с детьми, делился планами на будущее, и вдруг всё обрывается одним выстрелом…

    

Фото: Лена Глайзерман

Сцены сменяются одна другой, зрители с напряжением следят за этим. И знакомая с детства биография Александра Сергеевича Пушкина оживает перед нами. Он дружит, поет песни, смеется, шутит, дерзит, любит, грустит, плачет, ревнует…И даже школьники, сидящие в зале, с интересом смотрят на сцену, забывая, что это автор таких набивших оскомину хрестоматийных строк, как «Буря мглою небо кроет…» И это прекрасно! Ведь биография поэта напрямую связана с его творчеством. Не поняв его как человека, нельзя, как мне кажется, понять его как поэта.

     Я бы реально советовала смотреть этот спектакль людям абсолютно разного возраста: от старшеклассников до пожилых пар. Каждый найдет в нем что-то для себя, сможет по-новому взглянуть на образ Александра Пушкина, вспомнить какие-то факты из биографии, узнать что-то новое (так как пьеса основана на исторических документах), просто насладиться отличной игрой актеров и интересным сюжетом, послушать прекрасные стихотворные строки, знакомые с детства.

     Кстати, когда Сергей Безруков начинает читать стихотворения поэта, то у меня лично складывается ощущение, что  я где-то в литературном салоне того времени на вечере самого Александра Сергеевича Пушкина. Его голос мы, конечно, никогда не слышали и не услышим, но та душевность и проникновенность, которую вкладывает  в голос сам актер, полностью переносит меня в тот далекий век. Я постоянно ловлю себя на мысли, что  хотела бы, чтоб это звучало именно так.

    К примеру, стихотворение «Талисман» Сергей Безруков читает в полумраке сцены со свечой в руке, его почти не видно, и мы слышим именно голос. Происходит какая-то магия. Образы и картины, описанные в лирическом произведении, оживают в воображении, хочется слушать ещё и ещё…

    Но стихотворные моменты четко дозированы, чтобы спектакль не перешел в поэтический вечер. Лирика – это то, что помогает нам глубже понять те или иные моменты в жизни Пушкина, а не то, что полностью заполняет время постановки. И именно этот прием помогает сделать образ поэта живой, а не риторической фигурой. Он читает стихи как бы мимоходом, то посвящая любимому другу в честь его приезда, то возмущаясь поступками царедворцев, то полностью поглощенный своими чувствами к Натали, то ощущая какие-то тревожные предчувствия.

   В общем, долго я могу говорить об этом спектакле. Но лучше, как известно, «один раз увидеть, чем сто раз услышать». Поэтому, если Вы не равнодушны к поэзии, если Вам интересно просто посмотреть хороший спектакль с настоящими классическими декорациями и если Вам не безразлично творчество талантливого Сергея Безрукова, то Вам сюда!

Фото: Лена Глайзерман

P.S.  Это один из любимейших спектаклей моего младшего брата. Ему давно уже интересно творчество Сергея Безрукова (вместе с ним мы смотрели знаменитую «Бригаду», как сейчас помню). Не скажу, что он у меня заядлый театрал, а ведь спектакль довольно длинный (почти 4 часа с антрактом) и тяжелый! И, тем не менее, ему нравится. Он готов даже посмотреть его снова, хотя обычно не поощряет мои хождения на одни и те же постановки по несколько раз.

    Теперь этот спектакль относится к Театру Сергея Безрукова, а идет в Московском Губернском театре (Московский Областной Дом Искусств «Кузьминки»), художественным руководителем которого в этом году был назначен Сергей Витальевич. 

        И ещё один интересный факт об этом спектакле. 6 сентября 2013 года состоялась премьера "Пушкина" с тифлокомментированием. Благодаря этой технологии незрячие люди смогли "посмотреть" постановку также как и обычные люди. «В специально оборудованной кабинке сидел комментатор и рассказывал о том, что происходит на сцене», - рассказал сам Сергей Безруков. Доподлинно известно, что супруга актера Ирина Безрукова сама закончила курсы тифлокомментаторов и лично готовила специальную «озвучку» для «Пушкина».  Пока спектакль с такими возможностями только один, но в дальнейшем их количество в этом театре будет расти.

Оля-ля.

"Гамлет"

Наверное, Шекспир никогда не выйдет из моды. Его ставили и будут ставить. Только к «Гамлету» за последнее время обратилось сразу несколько московских театров (конечно, не последнюю роль здесь сыграло и приближающееся 450-летие британского драматурга, которое будет отмечаться в будущем году, но все же). На протяжении веков меняются только акценты и форма преподнесения зрителю, а тексты на удивление сохраняют актуальность.

Спектакль «Гамлет» «Гоголь-центра» поставлен по современной французской адаптации трагедии в переводе Риммы Генкиной. Режиссер тоже из Франции, однако, уже имеет определенный опыт работы в России: Давид Бобе ставил «Феи» для МХТ им. Чехова, а для самого «Гоголь-центра» - «Метаморфозы».

Премьера спектакля состоялась 28 ноября 2013 года.

Фото с сайта web-balancer-main.rian.ru

Действие началось еще до того, как прозвучал третий звонок. Зрители, которые пришли пораньше могли прямо на середине сцены наблюдать труп отца Гамлета, как все очень быстро догадались. Это был очень хорошо изготовленный манекен. Рядом с ним крутился молодой парень с дредами и в кожаной жилетке на голое тело. Периодически он то курил, то поправлял прическу королю, сдувал пылинки с его одежды, начищал ботинки. Уже во время действия мы узнаем, что это могильщик. С такого неординарного вступления для меня и началось знакомство с новым взглядом на Шекспира  и одновременно на театр в целом.

Трудно выделить те моменты, о которых хочется сказать в первую очередь. Кроме того, спектакль оставил после себя действительно яркое впечатление, есть страх, что при попытке подвергнуть его анализу, оно распадется на набор мелких деталей, каждая из которых сама по себе не представляет интереса…

Начну, пожалуй, с формальностей: спектакль идет три часа без антракта, а начинается в восемь. Для меня это было более удобным временем, но надо быть готовым к тому, что домой вы поедете в начале двенадцатого. Кроме того, конечно, надо быть готовым три часа воспринимать, в действии нет проходных моментов. По опыту скажу, что многие не выдержали. Мало я видела спектаклей, где публика так массово двигалась к выходу до окончания. В зале, кстати, остались почему-то те, кто явно не был вдохновлен происходящим на сцене, постоянно шушукался, едко комментировал, но не уходил…

Но вернемся к самой постановке. Мне действительно очень понравилось, как играли актеры. Никто не пытался оттянуть все внимание на себя, но в то же время было видно, что абсолютно все выкладываются полностью. Некоторые эмоции были настолько хорошо переданы, что буквально волнами расходились во все стороны. Но и этого мало, чтобы усилить эффект, иногда актеры выбегали прямо в зал, расширяя тем самым сцену и заставляя зрителей чувствовать, что они невольно стали свидетелями чего-то очень личного.

Фото с сайта izvestia.ru

Не совсем я поняла, в какое именно время было перенесено действие пьесы. С одной стороны, явно оно было изменено: ультрасовременная стрижка Гамлета, пистолет  не из глубины веков, вполне современная одежда, могильщик с дредами. Однако поскольку декорации весьма специфичны, а Гертруда, Клавдий и Офелия одеты в несколько ином стиле, иногда создавалось впечатление, что в этой постановке все смешалось, как и  в сознании главного героя. Эта неоднозначность, которая, вполне возможно, была таковой лишь для меня, мне показалась весьма удачным решением, соответствующим духу всего действия.

Перейдем к декорациям. Про них в прессе не написал только ленивый. Действительно, все происходит в черном, выложенном плиткой пространстве, которое является к тому же динамичным: появляются столы, подиумы, проемы… Поэтому говорить, что все действие происходит в морге, как я уже не раз читала, нельзя. Хотя именно там все начинается и заканчивается.

Фото с сайта web-balancer-main.rian.ru

В спектакль сильно вплетены разноплановые реалии современного общества. Тень отца Гамлета для нас не совсем тень, мы видим спроецированное изображение, которое сложно описать,  можно при желании даже уловить некоторые черты лица покойного короля. Кроме того, когда кто-то из героев появляется и заговаривает на сцене впервые, мы видим подпись, прямо как в социальных сетях. Причем, интересно, что подписи эти преподносятся по-разному: для одних это изображение, появляющееся на стене или столе, для других буквы, которые они сами выносят на сцену и составляют свое имя.

Фото с сайта izvestia.ru

Ну и апофеоз, конечно, вплетения современности в постановку – это душераздирающий танец Гамлета в костюме Бэтмена. Тут сразу надо сказать о еще одном новшестве от Давида Бобе – вода на сцене, много воды, примерно по щиколотку. Впервые она как раз появляется для сцены танца, который благодаря звуковому и световому сопровождению смотрится очень ярко, уверена, что запомню его надолго. Итак, появляясь для передачи душевного состоянии героя, вода со сцены больше не уходит, она же, например, потом символизирует и реку, в которой утопилась Офелия, да и в целом, становится постоянным инструментом, к которому обращаются актеры.

Если снова попытаться собрать все детали воедино, то общее резюме – я бы с удовольствием посетила и другие спектакли «Гоголь-центра». Мои ожидания не были обмануты, даже наоборот. Я предвосхищала, что будут спорные моменты, будет новое прочтение, будет неоднозначность, будет игра актеров на хорошем уровне, будут интересные декорации и т.д. Я получила все, но только в десятикратном объеме. Я смогла это осилить и получить удовольствие от постановки, но это явно формат не для всех. И поскольку я своими глазами, как и написала выше, видела массовую миграцию зрителей к выходу посреди действия, то снова традиционно ничего не советую, а просто делюсь мнением.

Всем интересных спектаклей, фильмов и книг,

Вера.

"Орфей и Эвридика"

Фото: Сильва Бочарова (с сайта lunatheatre.ru)

«Орфей и Эвридика», или «Жизнь грязнит всё»

Премьера спектакля состоялась 14 сентября 2012 года. Это постановка Театра Луны, а не Театра Виктюка (как это ни странно, но иногда я всё-таки хожу на спектакли других театров). Но, признаюсь честно, что причиной моего визита на этот спектакль стал всё-таки факт участия в нем Дмитрия Бозина.

Итак, «Орфей и Эвридика» поставлен по пьесе Жана Ануя «Эвридика», ну а за основу пьесы, как мы понимаем, взят известнейший древнегреческий миф про одноименных героев, только само действие уже перенесено драматургом в современные нам реалии. Поставила спектакль режиссер Гульнара Галавинская, знакомая мне по «Стеклянному зверинцу» в Центре В.С. Высоцкого на Таганке с Дмитрием Бозиным и Анной Нахапетовой в главных ролях. Ту постановку с прекрасной музыкой я до сих пор вспоминаю с теплотой и жалею, что Дмитрий там перестал играть, а заменил его актер Театра Луны Дима Бикбаев (не смотрела с ним, так как не верю, что можно сыграть лучше Бозина).

Орфей-юный  и бедный скрипач, путешествующий с отцом по разным городам, Эвридика- молодая провинциальная актриса, играющая вместе с матерью в малоизвестном театре. Встреча происходит в привокзальном кафе и сразу же переворачивает их жизни… Это вкратце.

Фото: Владимир Телегин

А начинается всё с того, что на установленном в глубине сцены экране (экран есть и в «Стеклянном зверинце», кстати) мы видим движущийся поезд. На столе в центре сцены стоит столик, на котором установлена маленькая железная дорога с поездом. К ней в полумраке выходит Дима Бозин в образе рокового мистера Анри (в первоисточнике - Аид) весь в кожаном черном одеянии. Он пускает игрушечный поезд по рельсам, смотрит на него, а потом поезд как бы ненароком сходит с рельсов. И всё это под мелодию Örsten – Fleur blanche (Hôtel Costes, Vol. 10, 2007). В общем, впечатляющее начало. И не зря первым появляется именно Анри, а уже потом Орфей и Эвридика с их окружением. Он - это своего рода злой Рок, нависший над всем происходящим и над судьбами героев и управляющий ими. Анри присутствует на сцене постоянно, причем в первом акте присутствует практически безмолвно и незримо, но не исчезает из поля зрения. Молодая пара не остается одна даже в свою первую ночь любви, но не подозревает об этом. Орфей и Эвридика уверены, что идут своей дорогой, готовые на всё ради вспыхнувших чувств, но на самом деле – всё это сценарий, прописанный некой рукой, спорить с которой нет смысла.

Весь спектакль пропитан атмосферой неустроенности и безысходности жизни, на фоне которых идет противостояние мира взрослых и детей, представлений о любви у двух поколений: любви мещанской, сытой, и любви, свободной от быта и условностей. Но с самой первой встречи влюбленных чувствуешь, что расставание их неизбежно, а любовь обречена, так как нет возможности жить в этом мире и оставаться «чистым». «Жизнь грязнит всех»,- как бы говорит нам эта пьеса. И если ты соглашаешься жить в этом мире, то принимаешь его законы: «Немножко любви, немножко денег, немножко успеха, и жизнь прекрасна!» Эти законы принимает мать Эвридики со своим  любовником, отец Орфея, Дюлак, директор театральной труппы, где работает Эвридика.  Принимала их до встречи с Орфеем и Эвридика, пусть не полностью, пусть у неё были на то причины, но принимала. 

Орфей же с первых минут встречи показывает, что для него такой мир неприемлем! Его первая любовь настолько слепа, что он бесконечно уверен в возлюбленной, думает, что пошлый мир родителей чужд «чистой и светлой» Эвридике. Но так ли это? И есть ли вообще безупречный люди с безгрешными судьбами? Способна ли любовь, пусть даже очень сильная и пылкая, избавить человека от груза былых ошибок? Можно ли полностью «отмыть» свою душу, или призраки прошлого постоянно будут нас преследовать, мешать нам начать жизнь с чистого листа?! И способен ли любящий человек закрыть глаза на то, что было у любимого до их встречи?

Эвридика идет за Орфеем, нам кажется, что она полностью отдалась новому чувству, даже перспектива бедной жизни не смущает её, а, наоборот, радует, окрыляет возможностью свободного существования.  Но что ждёт влюбленных дальше, когда поостынет пыл первой страсти? Долго ли смогут они довольствоваться сигаретами вместо еды, некупленными платьями, дешёвыми гостиницами? Всё это хорошо только по молодости. А вот с годами можно оставаться счастливыми, но уже так ненавистным для наших героев «пошлым» счастьем их родителей! ( «А ты прав! Если бы мы захотели быть счастливыми всегда, мы, возможно,  стали бы такими же, как они! …Какой ужас!» - говорит Эвридика). И какой же тогда выход?  

Фото: Владимир Телегин

А выход знает господин Анри! Из его уст слышим, что люди делятся на две категории: «люди для жизни», «люди на каждый день», и герои, «избранные». Одни «едят колбасу, строят дома, считают барыши, рожают детей», а другие обречены на короткую, хоть и яркую жизнь. Первых очень сложно представить мертвыми, а вот последних – наоборот, легко. Они как будто для этого и рождены.  Анри заставляет Орфея задуматься, к какой же категории он относит себя? И поняв это, он найдет выход.

Сначала эти слова кажутся Орфею жуткими и немыслимыми. Но вот утраченные иллюзии о возлюбленной заставляют героя по-новому посмотреть на мир. Она словно  «спустилась» с пьедестала, она вовсе не так непорочна, как хотелось думать герою. Причин он толком не знает, но образ уже разрушен, вера  подорвана, хотя надежда ещё теплится… И тут как гром среди ясного неба известие о смерти Эвридики.

Здесь как раз  приходит время моему любимому моменту, из-за которого я, пожалуй,  и смотрела этот спектакль уже не раз. Дима Бозин в образе Анри читает нам в микрофон письмо Эвридики к Орфею, которое она написала перед самой смертью, и где она искренне рассказывает любимому о своем прошлом. Всё это под песню группы Rammstein  «Amour». Актер делает это так экспрессивно, начинает почти шепотом, а потом переходит на крик: «Ты не сможешь понять! Ты не сможешь понять!» - отчаянно кричит он Орфею и нам, зрителям.

А мы, зрители, можем и понимаем!  Орфей, как нам кажется, тоже понимает! Но горечь утраты разрывает его душу! Он не видит смысла жизни без Эвридики! И тут снова появляется вездесущий Анри!

Что мы от него слышим? Что жизнь - это постоянные потери, боль, страдания. А вот смерть прекрасна и добра, она от этих страданий нас избавляет! Люди ошибочно страшатся смерти, стараются оттянуть её приход. А надо ли бояться её, если в ней - избавление? Потрясающе мрачная и до ужаса правильная мысль, звучащая потом, поразила меня своей глубиной: любимый умирает, и человек думает, что это невосполнимая потеря, что смысла жить дальше просто нет.  А потом, как правило, проходит время, раны залечиваются, зарождаются новые чувства.  Лишь единицы могут хранить верность умершему возлюбленному всю оставшуюся жизнь, чувствуя себя бесконечно одинокими. А вот большинство из нас, к сожалению, чувствует одиночество и пустоту рядом с живыми и некогда горячо любимыми людьми! Просто уходят чувства, перерастают в привычку, кто-то первым заглядывается на другого человека, задумывается об измене. Могут спасти дети,  за них мы хватаемся, как за соломинку. Но любовь всё равно ускользает… И вот что лучше? Почувствовать себя лишним рядом с живым и близким человеком? Или вспоминать короткую, но прекрасную пору чистой любви?

Вот задачка для Орфея, да и для нас. Чтобы проще было найти решение, Анри оживляет Эвридику. Она появляется на сцене вновь, причем очень оригинальным способом: в металлическом корыте, полном воды! Это символичное очищение от грязи и пороков земной жизни. Но Орфею его недостаточно! И как назло нельзя смотреть в глаза любимой! Он вроде бы и рад воскрешению, но почти сразу же начинает упрекать Эвридику в её поступках, вспоминать ей прошлые обиды. Эта сцена очень тяжелая: мокрая насквозь Эвридика буквально цепляется Орфею за ноги, он волочит её по всей сцене, повсюду остаются мокрые брызги…Она умоляет его успокоиться, потерпеть до утра, не хочет ворошить былое. Но он непоколебимо желает посмотреть правде в глаза! Итог: невозможность полностью освободиться от прошлого, отпустить его.  Эвридика в письме была права, не смог Орфей понять её…

Жить с Эвридикой нынешней невозможно. Как? «С уступками, со вкусной и сытной едой, после которой занимаются любовью? Нет! Я слишком тебя люблю для такой жизни!» Уж лучше смерть, Анри-то прав! Орфей выбирает путь героя, бунтаря, избранного! Он прерывает не только жизнь возлюбленной, но и свою собственную во имя их общего счастья в ином мире, чуждом пошлости, взаимных упреков и измен!

Правильно ли он поступил? А возможно, стоило примириться, простить любимую. Да, Эвридика не хотела говорить ему всю правду о прошлом, да, она пыталась сбежать от него! Но ведь это всё именно из-за того, что она боялась не соответствовать тому образу, идеалу, который нарисовал Орфей! Он полюбил Эвридку своей мечты! А она была живой и обыкновенной девушкой! Но к этому герой был не готов. И в этом их трагедия. Всё могло быть иначе, если бы Орфей пошел на уступки, перечеркнул в памяти всё былое. Но этого он не сделал и лишил любимую шанса начать новую счастливую жизнь на земле. Хотя мне кажется, что потом он бы просто постоянно попрекал её прошлыми ошибками, не слушая, не желая слушать, оправдания!  Этот юношеский максимализм очень пагубно сказался на судьбе обоих. Но господин Анри восторжествовал! Он снова прав! Смерть победила жизнь!

Фото: Владимир Телегин

Спектакль советовать я не могу, так как несколько раз водила на него друзей, но не скажу, что они все были в восторге. Большинству постановка показалась очень тяжелой и мрачной и местами затянутой. Игра Дмитрия Бозина, правда, претензий не вызвала ни у кого! Все согласились, что он -  это лучшее, что есть в спектакле! А вот Орфей и Эвридика своей игрой  как раз вызвали недовольство. Их обвинили в ненатуральности и наигранности чувств. Восприятие индивидуально и о вкусах не спорят. Я никого другого в роли Орфея не вижу, в первых постановках, возможно, Дима Бикбаев играл менее уверенно, но сейчас уже достиг определенных успехов, и лично я ему сопереживаю, да простят меня друзья! А вот Эвридика мне почему-то больше нравится в исполнении Ирины Линдт, а не молодой Вероники Лысаковой, хотя по возрасту больше подходит, конечно, последняя. Но вот глубину чувств и сложность внутренней борьбы Эвридики лучше способна передать, на мой взгляд, именно Ирина.

Это лишь мое мнение. Думайте и решайте сами, смотреть этот спектакль или не смотреть,

Оля-ля.

"Несравненная"

     

Фото: Елена Пенкина

     «Давно не писала я про спектакли Театра Виктюка!»- подумалось мне. Поэтому решила поделиться с Вами впечатлениями о совсем недавней премьере, приуроченной  к 77-му дню рождения Маэстро Романа Григорьевича Виктюка, спектакле «Несравненная». Его москвичи увидели прямо 28 октября (непосредственно в день рождения режиссера) в театре Моссовета, который каждый год любезно предоставляет свою сцену в распоряжение Мастеру для праздничного спектакля.

      Скажу честно, что премьеры последних трех лет («Король-Арлекин», «Коварство и любовь» и «Маскарад маркиза Де Сада») не впечатлили совсем, несмотря на то, что в них всех блистал горячо любимый мною Дмитрий Бозин.

      Помню, как в «Короле-Арлекине» меня поразило больше всего обилие сложных акробатических трюков и хождение героев на реальных ходулях, но при этом было дико жаль актеров, неоправданно рисковавших здоровьем! Ведь сама постановка всё равно смотрелась крайне тяжело, особенно первые сцены, взятые из балетного спектакля Пины Бауш  (немецкой танцовщицы и хореографа) «Кафе Мюллер». Действие там происходит в пустом кафе, где люди, потерявшие надежду на счастье и способность любить, переживают своё одиночество. А  показывают они все свои чувства истерическими и надрывными движениями. Безусловно, Роман Виктюк сделал эту вставку в спектакль именно в память о Пине Бауш, портрет которой во весь рост мы видим на сцене! Но так сложен потом переход к основному действию пьесы! Все шло, как всегда, без антракта, говорили полустихотворными речами, которые лично мне было крайне тяжело воспринимать…

     От «Коварства и любви» остались только воспоминания о гробах на сцене, крышками которых, как будто створками дверей или окон, постоянно хлопали герои так громко, что к концу у меня заболела голова. И ещё запомнился Дима Бозин в костюме червяка, извивающийся весь спектакль и даже прочитавший что-то наподобие рэпа.

    «Маскарад маркиза Де Сада», который я посмотрела в прошлом году, смотрелся, безусловно, гораздо живее, местами было даже смешно. Но самое яркое впечатление снова оставил лишь тот факт, что Бозин, исполнявший, конечно, главную роль, почти весь спектакль ходил в чем-то типа простыни-туники и  с ведрами на ногах!

      Так что, скажу честно, от премьеры  этого сезона я уже не ждала ничего фееричного, в очередной раз сокрушаясь, что Роман Григорьевич перестал отмечать день рождения  моими любимыми «Служанками», как делал это до 2010 года. Но мне было известно, что в главной роли снова будет Дмитрий Бозин. И единственное, что меня интересовало, это вопрос: «А какие же в этот раз неиссякаемый Виктюк придумал задачки для  всемогущего Дмитрия Бозина? Чего ещё не делал актер на сцене? Ведь женскую роль ему играть уже не в первой, этим-то уже нас не удивить!»

     

Фото: Елена Пенкина

 И вот в вечер премьеры «Несравненной» пришли мы с подругой в театр пораньше (что мне обычно не свойственно), и поэтому в зрительный зал тоже смогли зайти не после 3го звонка или уже в кромешной тьме (как бывало), а заблаговременно. Места у нас были в партере, а пройти к ним мы решили прямо возле самой сцены. Занавес был открыт, декорации установлены. И тут в глубине сцены мой взгляд уловил фигуру в красном длиннющем платье, которая была буквально подвешена на какой-то металлической конструкции. Подруга подумала, что это кукла для антуража, но мне что-то подсказало, что это живой человек, причем не просто человек, а сам Дима Бозин! И самое смешное, что я оказалась права! В начале спектакля фигура начала спускаться вниз, и зрителям предстал во всем великолепии Дмитрий в образе Флоренс Фостер Джекинс - американской пианистки и певицы, ставшей известной благодаря полному отсутствию музыкального слуха, чувства ритма и певческого таланта. То есть представить страшно, сколько же времени он так висел, ожидая начала и наблюдая за залом!

        «В оригинальности Роману Виктюку не откажешь!»- подумала я. И уже вместе с другими зрителями с интересом стала ждать развития действия… А среди зрителей, кстати, кого только не было: и актеры Театра Виктюка, и Ефим Шифрин (играет в «Путанах»), и Ирина Мирошниченко, и режиссер Андрей Житинкин, и мама Ксении Собчак Людмила Нарусова и даже легендарная Татьяна Доронина! Все пришли поздравить Мэтра с днем рождения!

Фото: Елена Пенкина

        Итак, теперь несколько слов о спектакле. Поставлен он по одноименной трагикомической пьесе  «Несравненная» современного британского драматурга Питера Куилтера, которая очень популярна за рубежом. Тем не менее, в России это первая постановка, насколько мне известно.

       «Почему же люди все еще помнят Дженкинс, почему она не исчезла из человеческой памяти, хотя с момента ее смерти прошло почти 70 лет? Причина тому, как говорят итальянцы,- il sacro fuoco, «священный огонь», горевший в ней всю ее жизнь. Его оказалось достаточно, чтобы НАМ оживить ее образ и вернуть его в качестве сценической героини» - объяснял Роман Григорьевич свой выбор сюжета. Ведь пьеса  как будто специально создана для воплощения на сцене Театра Виктюка. Герои-провокаторы, эксцентричные и внутренне свободные – вот конек режиссера! Здесь его фантазия и способности вне конкуренции!

       Дмитрий Бозина героиня тоже очень заинтересовала: «Среди моих персонажей еще не было юродивых. Многие живут за гранью разума, но юродивость — особый путь. Я давно хотел его исследовать. И, после Рудольфа Нуреева, которого я уже играю, Флоренс — это второе существо, посетившее нашу планету в реальном, человеческом воплощении. Такая игра требует иной техники». И эту технику актер освоил в совершенстве! Он как всегда прекрасно играет, воплощая все самые смелые замыслы режиссера и даже предвосхищая их!

      Постановка эта, безусловно, получилась! Она красочная, нет затянутости, очень гармонично сочетаются смешное и грустное, фарс и трагедия. Следить за судьбой Флоренс интересно, ей сопереживаешь с первых минут. Мы видим, что героиня ко всем людям приходит с открытой душой, уважает своих зрителей и до безумия предана музыке, просто не мыслит своей жизни без пения! А как она уверена в своём даре! Ничто не способно поколебать её веру в свой собственный талант. Да и как можно в нем усомниться, если все концерты проходят с аншлагами, билеты раскупают задолго до самих концертов, а в числе поклонников сам Карузо?!

Фото: Елена Пенкина

Потом-то уже становится понятным, что огромная часть зрителей приходила посмеяться над безголосой певицей, её освистывали, выкрикивали оскорбления. Но Флоренс эти выходки  практически не огорчали, а, наоборот, казались происками завистников. И она продолжала выходить на сцену в своем фееричном платье с ангельскими крыльями за спиной и петь! Смелость и искренность, с которыми она это делала, поражают! И этот эффект достигнут именно благодаря исполнителю её роли - Дмитрию Бозину. Ведь записи самой певицы включаются лишь пару-тройку раз, а в остальные моменты поет на сцене сам  актер! Причем чувствуется его симпатия (хоть и с доброй иронией) к этой женщине, которая всю себя посвятила искусству, даже дома оставалась в образе, а по сути-то была всё-таки одинока. Любовник Флоренс (Александр Дзюба) живет за её счет и ухлестывает на наших глазах за её помощницей, молодой аккомпаниатор МакМун  (Игорь Неведров) вообще первое

время еле сдерживает свой смех, смешанный с ужасом, от услышанного им пения. Он и остаётся работать тоже именно из-за большого заработка, обещанного певицей. Всё окружение кажется нам какими-то подхалимами, неискренними в своих  слишком громких комплиментах. Но всех этих «мелочей» Флоренс словно не замечает, живет в своём мире музыки, в котором у неё идеальное сопрано и самая преданная публика!

   И  в этот  мир на два с небольшим часа приглашает нас Роман Виктюк! Флоренс увлекает нас с собой, потрясая своей трогательностью и беззащитностью, с детской непосредственностью она делает всё: общается со слугами и  близкими, поет на сцене, записывает пластинки (без репетиций, просто с первого раза!) и даже выслушивает критику в свой адрес! И всем ясно, что это удивительная женщина, сама сделавшая свою судьбу, не побоявшись слухов и досужих домыслов, иногда ранимая, но полностью уверенная в том, что нашла свое призвание, которому была верна до последних дней. И уверенности её могут позавидовать многие по-настоящему талантливые люди, которым как раз и не хватает такой непоколебимой веры в свои способности, какой обладала Флоренс!

Фото: Елена Пенкина

    Не случайно апофеозом и одновременно финалом спектакля является главный триумф в карьере Флоренс Дженкинс - большой концерт на самой престижной сцене Нью-Йорка — в Карнеги Холл. Она выступила там, будучи уже 76-летней женщиной. Билеты были раскуплены чуть ли не за полгода до концерта, зал был набит людьми, публика неистовствовала, кому-то становилось плохо от первых нот, взятых Флоренс, и их буквально уносили из зала, кто-то был в полном восторге от смелости эксцентричной певицы и кричал «Браво! Бис!» не переставая… Это был главный момент в её жизни, она долго шла к нему, боясь и мечтая о нем. И после этого великого для неё вечера, буквально спустя месяц, Флоренс Дженкинс умерла.

Фото: Елена Пенкина

Скорее всего, сказался переизбыток чувств, и мы почти не сомневаемся, что ушла из жизни Флоренс в состоянии счастья, с исполнившейся мечтой, да и в довольно преклонном возрасте!  Мы, зрители, также  уже поняли, что пела она ужасно, была смешна и нелепа в своих сценических костюмах и в своей абсурдной уверенности в собственной гениальности! Но почему-то в конце спектакля к горлу подступает ком,  и нам  по-настоящему жаль эту женщину…

   Вокруг было так много неискренности, фальши, лжедрузей и лжелюбовников, а она словно возвышалась над ними, паря в своем «ангельском костюме» над действительностью, становясь выше насмешек и ругательств, выше непонимания и критики. И, тем не менее, в финале спектакля почему-то есть ощущение, что концерт в Карнеги Холле оставил в душе Флоренс смешанные чувства: не только радость победы, но и горечь от закравшихся сомнений в справедливости критических отзывов о ней. Может, она не так прекрасно спела, как раньше? Может, теряет форму?... А жить без песен и музыки героиня не в состоянии. Не могла Флоренс тешить себя воспоминаниями о былых заслугах, чувствуя, что после такого концерта уже не добиться ничего бОльшего, время её побед прошло, она доказала многим, что главное - это верить в свои силы, но теперь сама боится эту веру потерять! И тогда действительно лучший выход - уйти в зените славы, не дожидаясь забвения!

Фото: Елена Пенкина

   В общем, спектакль мне очень понравился, его я обязательно посмотрю ещё, чтобы «доосмыслить». И снова, как в случае с «Нездешним садом», Роман Виктюк открыл для меня новую неизвестную личность - Флоренс Фостер Джекинс, а значит, и новые неизвестные грани человеческой натуры, неиссякаемой в своей глубине и «многослойности»! И снова меня поразил неистощимый талант Дмитрия Бозина, его умения войти в образ, понять задумку режиссера (в целом)  и мир своего героя (в частности)! И снова я поверила в возможность ещё не раз увидеть от Романа Виктюка шедевры на сцене! И снова буду ждать следующую премьеру! Ура!

Оля-ля.